La Danza Cinéfaga
Comentarios a la categoría de video-danza del X Encuentro para Cinéfagos Festival de Cinearte en la Frontera 2020.
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Por: Osvaldo Barreto Pérez (Grupo de investigación Bordes. San Cristóbal, octubre de 2020)
Como espectador de este encuentro fronterizo, me permito hacer algunos comentarios sobre los trabajos que más me gustaron. En esta oportunidad abordaré aquellos pertenecientes a la categoría de video-danza, que a mi juicio fue la más descollante del festival, no solo por el nivel dancístico y la calidad técnica de la realización audiovisual sino por el nivel de propuesta que deja entrever investigación y riesgo en las búsquedas de este género que se consolidad cada vez más.
La obra ganadora de la categoría video-danza se llama simplemente “4” y es una realización de Mariana Palacios & Adrián del Arroyo, proveniente de Suecia. Es un trabajo que se torna exquisito por su amplia factura estética que no radica exclusivamente en lo dancístico sino también en lo conceptual y performático; con esto nos referimos a una puesta en escena muy limpia, con matices clínicos evocados por el vestuario y una escenografía que recuerda las instalaciones lumínicas de algunos artistas minimalistas, y aunque los anteriores aspectos conforman una propuesta sólida hemos de subrayar el aspecto que le otorga a la pieza total contundencia, nos referimos al trabajo musical, el cual destaca por una experimentación a contracorriente, pues en medio de tanta tecnología sonora digital que ocupa a los músicos actuales, los intérpretes de “4” recurren a un piano de cola, demostrando que la creatividad no está en lo novedoso del medio escogido sino en la capacidad para reinventarnos a partir de lo mínimo. Una verdadera obra de arte en todos los sentidos.
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“Expulsive” de Jota Aronak, es una poderosa realización audiovisual proveniente de España, un video-danza de una fuerza expresiva demoledora, donde se evidencia el dominio del lenguaje cinematográfico a través de una edición ágil y una clara conceptualización, aunado a un nivel dancístico que impresiona por su vigor. Además exhibe un planteo coreográfico arriesgado que cautiva y corta el aliento al espectador. La pieza rebosa de un erotismo que raya en la lujuria, los cuerpos sangran, sudan y se acarician de manera orgiástica, toda una evocación dionisíaca en la que lo clásico y elegante de algunos escenarios se funde con ambientes urbanos en un torbellino de movimientos que ilustran el pandemónium de las pasiones humanas.
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De Cuba nos llega “Pisadas y Manzanillas” de Roxana Barba, una pieza que permite un goce distinto pues se distancia de: tanta superproducción, escenarios sofisticados, complicadas iluminaciones, estrambóticos manejos de cámara y vestuarios rebuscados. Esta es una apuesta por la sencillez, por lo natural-habitual. Es una obra que nos devuelve al barrio, que nos presenta a los vecinos, a los transeúntes de cada día, al motorizado, a la señora que barre el frente de su casa, hace referencia a un barrio desnudo, sin decorados, con sus paredes marchitas, sus óxidos y su calidez. Una ejecución dancística conmovedora por su naturalidad. “Pisadas y manzanillas” ha logrado captar la poética de las cosas comunes; es un abrazo a la realidad circundante; sin mediaciones ni maquillajes; desde uno de los lugares más humanos: la cotidianidad.
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“Stopgap in Stop Motion” de Stephen Featherstone es una producción del Reino Unido que desborda en creatividad. Surrealista e íntima, con una calidez de escritorio, permitiéndose la estética del collage, y una mezcla inusual como lo es la animación tradicional (stop motion) y la danza. Nos habla de la belleza de las cosas sencillas, de cómo la vitalidad puede emerger del más mínimo gesto y de cómo la danza no es una actividad exclusiva de profesionales sino una necesidad expresiva de todos aquellos que quieren celebrar la vida desde sus propias potencialidades, cualesquiera que estas sean, por todas estas características no dudamos en catalogarlo como un trabajo audiovisual sublime e inolvidable.
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“Altera” de Baptiste Rouveure es una producción Francesa de una pulcritud casi clínica. Aprovechando espacios arquitectónicos minimalistas que evocan escenarios de ciencia ficción, “Altera” nos pasea por distintas situaciones humanas, desde la soledad y el encuentro, hasta el asombro y la esperanza. El hombre en el laberinto de sus propios espacios, un tanto asfixiado buscando la salida, consiguiéndola de manera sublime en el otro. La obra alcanza un vuelo poético hacia el final cuando introduce la noción de ingravidez y los cuerpos parecen danzar sin peso, aliviados y plenos gozando de una libertad que ha sido y será uno de nuestros más grandes anhelos.
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“Exit” de Maison Mouton Noir es una producción Francesa. En esta pieza la danza emerge como un impulso necesario e irreprimible en medio de una cotidianidad llana y simplona que entumece nuestro espíritu. “Exit” nos expone esa cotidianidad urbana donde la soledad es la compañera habitual, donde los vehículos y las luces de la ciudad solo representan distanciamiento y frialdad, es por ello que la danza es planteada como la solución a una emergencia existencial, un llamado para volver a la corporalidad, a la vida. Con una dirección acertada y una excelente fotografía, “Exit” se nos revela como una auténtica salida que conduce a lo más vital de nuestro ser.
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“Brute” de Cass Mortimer Eipper proveniente de Australia es un trabajo sumamente musical, donde el ritmo juega un papel protagónico. Resulta asombroso como lo coreográfico se conjuga con los aspectos técnicos de la grabación, ambos lenguajes conjugados en total sincronía logran brindar al espectador una dinámica continua que parece fluir de manera cíclica tornándose envolvente. Hay que elogiar el trabajo de cámara y de iluminación así como la dirección de arte que logran sacarle el máximo provecho al escenario y a los cuerpos, permitiendo una estética de lo subterráneo, de las profundidades, llevándonos al lugar sombrío donde se engendran los conflictos primordiales, donde queda expuesta la impensable belleza de la lucha.
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“Ibex well” de Kevin Hanson nos llega desde Estados Unidos. Se trata de una propuesta fundamentalmente paisajística, en la que los bailarines parecen moverse hasta fundirse y ser parte del paisaje. Los cuerpos llenos de tierra, en medio de una inmensa aridez, con montañas rocosas que los miran, se despersonalizan para consolidar una sola energía, una fuerza telúrica que emana del planeta y pasa por nosotros, una vitalidad compartida de la cual el hombre moderno pretendió erróneamente divorciarse. La coreografía aprovecha la amplitud del escenario hasta el punto de implementar una fuerza centrífuga que esparce a los danzantes hasta reducirlos e invisibilizarlos, evidenciando la insignificancia del hombre ante la magnitud del planeta en un espléndido final panorámico desde las alturas.
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No podemos dejar de mencionar a “Senda” de Ángel Zambrano, una producción local que inserta la danza contemporánea en el páramo andino, un escenario natural de profundas implicaciones culturales e identitarias, con símbolos ancestrales como: las lagunas y las montañas. Lo femenino, lo sagrado y el agua de las lagunas son nociones que se encuentran íntimamente ligadas para las culturas andinas desde tiempos remotos. La obra se nos presenta como una especie de rito iniciático o de expiación, telúrico y trascendente, donde la danza es el medio para ilustrar visiones existenciales o simbolizar los desafíos del ser. Una obra incipiente que augura un paisaje de altura para la video-danza de la región.
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